巴洛克时期的特征有哪些 主要分别是什么样的

特征

体系结构

巴洛克时期的作品风格极其复杂，但总的来说，它们反映了试图将情感融入具有感性感染力的形式的愿望。最常见的特征是气势磅礴，生机勃勃，充满活力，气氛紧张，注重光线及其效果，善于表达各种强烈的情感色彩和无限的感情，有打破各种艺术界限的倾向。巴洛克艺术庄严而高贵的特征来自于文艺复兴时期发展起来的古典与古代艺术精华的结合以及伦理的约束作用。

绘画

巴洛克风格的出现与反对“国际风格主义”的学术流派的抽象特征有关。罗马早期的巴洛克画家主要有卡拉齐和卡拉瓦乔。意大利巴洛克雕塑家和建筑师开创了吉安·洛伦索·贝尔尼尼。

路易十四的风格，也就是“皇室的官方风格”，可以说是意大利巴洛克的经典版本。普桑是17世纪法国最伟大的画家。他的作品优雅、严肃、逻辑有序，从而忠实地体现了古代艺术风格，形成了法国巴洛克的特征。

要研究佛兰德斯的巴洛克风格，最好从彼得·保罗·鲁本斯的绘画开始，他创作了大型祭坛画和神话作品，设计了一系列构思巧妙的宫廷画和寓言画。

在荷兰，鲁本斯等一批早期大师在意大利留学，了解了意大利巴洛克。除此之外，还有一批现实主义山水画家、静物画家、海景画家、肖像画家、家庭室内画家、教堂室内画家，以及弗米尔、林布兰等杰出大师。西班牙出现了一位杰出的大师，如贝拉斯克斯。

英国巴洛克风格最明显地体现在安东尼·范·戴克爵士所画的查理一世和他的王室成员的肖像，以及克里斯托弗·雷恩爵士和约翰·范布勒的建筑艺术上。和英国建筑艺术一样，巴洛克视觉艺术在德国的全盛时期直到18世纪才出现，也就是在阿萨姆兄弟、巴尔塔扎·诺伊曼和齐默曼设计的一些华丽的宫殿和教堂完成之后。

音乐

在音乐方面，艺术史上最显著的转折点发生在17世纪初的意大利。虽然古代风格继续流行，但后来只用于宗教音乐，而现代风格逐渐用于非宗教音乐。由于音乐词汇量的扩大，圣乐与非宗教音乐、声乐风格与器乐风格、民族之间的差异越来越明显。所以巴洛克时期在音乐领域和其他艺术领域一样，也体现了各种风格。这一时期的音乐思想不多，讲究的是节奏之美。歌剧、清唱剧和合唱是声乐最重要的新形式，而奏鸣曲、协奏曲和前奏曲是为器乐创作的。

克劳迪奥·蒙特威尔地是第一位伟大的“新音乐”作曲家。在意大利，亚历山德罗·斯卡拉蒂和乔瓦尼·佩尔戈莱西是意大利巴洛克歌剧的大师。意大利器乐传统体现在伟大的巴洛克作曲家科雷利、韦瓦迪和朱塞佩·塔蒂尼身上。乔万尼·巴蒂斯塔·吕利和让·菲力普·拉摩是法国巴洛克音乐的两位大师。

在英国，随着斯图亚特王朝假面剧的盛行，亨德尔在声乐方面取得了巨大的成就。韩德尔出生于德国，在意大利接受音乐训练。巴赫，他的同时代人，随后在德国将巴洛克圣歌推向高潮。其他著名的德国巴洛克作曲家包括许慈、迪特里希·巴克斯特胡德和泰勒曼。

葡萄牙巴洛克最初是指一颗不规则的珍珠，现在指的是17世纪和18世纪初欧洲的豪华建筑风格。音乐家用这个短语来解释同一时期的音乐风格。

旋律特点:乐句长短不一，气息更长。无论是声乐还是器乐，在空面前旋律华丽而复杂，有相当多的纹饰和调式造型。和文艺复兴时期的旋律一样，旋律的进步往往以形象化和象征化为特征。引人注目的是，旋律中有明确的和声属性。

节奏:主要分为自由节奏和鲜明有规律的节奏。前者用于朗诵、托卡塔、前奏等。，而后者则用于咏叹调、赋格、舞曲等。，它将永远保留在一个运动中。这两种节奏经常一起使用，比如朗诵与咏叹调，前奏与赋格。

模式:大小模式制，取代了过去的“教会模式”。

和声:形成了以大调和小调为中心的完整和声体系，利用不和谐的音调进行音调转换，使和声进行充满力量和情感。17世纪十二平均律的发明与和谐体系的充分发展密切相关。

低音提琴:

巴洛克时期独特的作曲手法。在键盘乐器乐谱的低音部分写一个确定的音符，并在上面标上表示和声的数字。根据这个提示，演奏者弹奏低音和和声，和弦的排列和织体由演奏者选择。

织体:以复调织体为主，写作手法在空前后达到高峰。复调与文艺复兴的区别在于，它是以功能和声为基础的对位。同时，也有很多作品使用了主色调质感。

曲式:主要由组曲、变奏曲、协奏曲、清唱剧、清唱剧等在节奏、速度、风格上形成对比的多乐章结构组成。前奏与赋格、朗诵与咏叹调的搭配关系是常用的。复调音乐的内部结构是由模仿写成的连续体，但有明显的呈现、发展、再生产的因素。同时，在固定的低音旋律上还有分段结构、变奏曲、Pasakalia、Xia 空形式的变奏曲。

主要音乐流派:声乐:弥撒、佛经、赞美诗、歌剧、清唱剧、清唱剧、苦行乐、各种独唱和合唱。器乐:托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格、变奏曲、组曲、奏鸣曲、协奏曲。

情绪特征:在一个动作内保持一种基本情绪，动作之间形成对比。

实力表现:我们不追求越来越强越来越弱的细微变化，而是采取明确的“阶梯式实力”。

代表性作曲家:格奥尔基·里德里亨德尔等。

歌剧诞生了

歌剧诞生于16世纪末17世纪初的意大利佛罗伦萨。它是在对古希腊悲剧进行大量研究的基础上，由布迪、布迪宫廷中的卡玛塔俱乐部成员文森佐·加利莱和佛罗伦萨学者梅等人所创立的。音乐与戏剧的结合可以追溯到古代，包括古希腊悲剧、中世纪礼乐剧、宗教神秘剧、神迹剧、文艺复兴田园组曲、田园剧、间奏剧等。间断性戏剧是在戏剧的两个场景之间表演音乐的短剧。田园剧是一种带有传奇题材或乡村题材音乐的舞台剧。

历史上第一部歌剧是达芙妮，由里丘奇尼创作，佩里于1597年作曲，起源于希腊神话。但是比分已经输了。现存的第一部歌剧是尤妮斯·迪克西，由马努西尼于1600年创作，由佩里和卡奇尼作曲。来自神话，希腊。在最早的歌剧中，音乐形式是声乐，主要以朗诵为基础，配以少量乐器，采用低音连续。音乐形式比较简单。

蒙特威尔第的歌剧主要是加强音乐性和情感表达。具体方法是将宣叙调的旋律线拉长，使之唱出，与短歌、二人转、田园二人转交替，形成对比。他采用了大型乐队伴奏，并通过使用颤音、拨弦和弦乐器的不和谐和声产生了强烈的戏剧效果。在歌剧中加入器乐段落，如开头的“托卡塔”，中间是舞曲。歌剧的基本模式是在他的创作中形成的。蒙特威尔第的两部代表作是《奥Flo》和《阿里安娜》。

继蒙特威尔第之后，17世纪威尼斯歌剧的代表人物是蒙特威尔第的学生卡瓦利和塞斯蒂。

亚历山德罗·斯卡拉蒂，18世纪意大利那不勒斯歌剧的主要代表。他非常重视音乐在歌剧中的抒情功能，强调咏叹调的表现力，建立了ABA形式结构，称之为“还乡咏叹调”或“大阉鸡咏叹调”。他的乐队更完整，他创作了歌剧序曲《快-慢-快》。

那不勒斯歌剧的特点是注重独唱者声音的美感和音乐的外部效果，追求音乐语言和形式的风格化，音乐质感简单，以独唱旋律和简单的和声伴奏为主。缺点是缺乏真实性和戏剧性。这种倾向导致了18世纪歌剧的衰落。

歌剧中用朗诵来进行人物对话和情节发展，其旋律接近朗诵。咏叹调是用来表达人物感情，表现唱功的，音乐优美，音域宽广。

白话朗诵朗诵是由大键琴和低音乐器伴奏的朗诵，主要用于长篇对话和独白。有伴奏的宣叙调由乐队伴奏，用于紧张的戏剧场景。也叫arioso或宣叙调arioso，因为它在一定程度上具有咏叹调的特点。《大阉鸡咏叹调》是ABA三段咏叹调，可以根据歌手喜欢，用一些自由炫目的技巧进行翻唱。

17世纪法国歌剧从意大利传入，立即呈现出法语的特点:注重朗诵，突出了法语独特的节奏和韵律；给歌剧增加很多舞蹈场景；舞台装饰极其华丽，表现出帝王生活的风格；歌剧序曲的编曲速度与意大利相反:慢-快-慢。最初来自意大利的路利建立了法国歌剧形式。法国作曲家莫拉。他创作了大量的歌剧和古钢琴作品，但更重要的是，他在1722年发表了《和声基础论》，为现代和声理论奠定了基础。

英国歌剧创作的代表人物是。珀塞尔，代表作是《狄东与埃尼》。

德语“singspiel”。带有对白的德国民间戏曲具有鲜明的民族特色。它对德国歌剧的发展有着重要的影响。

清唱剧:宗教或史诗题材的歌词以独唱、二重唱、合唱和管弦乐队的形式创作，在教堂或音乐厅演出。清唱剧不同于歌剧，它没有复杂的舞台装置和戏剧动作表演。激情之歌:音乐形式像清唱剧一样，聚焦于基督耶稣受难的故事。康塔塔:也译作合唱，是一种以独唱、二重唱、合唱、管弦乐为主的体裁，内容既有宗教性，又有世俗性。像清唱剧一样，没有舞台装置和戏剧动作表演。

文学

文学上具有巴洛克特征的代表作品有意大利马里诺、西班牙贡戈拉和德国奥皮茨的作品。英国玄学派诗歌，主要是约翰·多恩的诗歌，与巴洛克文学关系密切。