英国古典音乐十大名曲欣赏 英国古典音乐历史

目录导航：

1. 英国古典音乐十大名曲欣赏
2. 听古典音乐有什么好处
3. 现代古典音乐英文说
4. 属于英国作曲家布里顿的有哪些
5. 有哪些具有巴洛克风格的古典音乐
6. 2008年奥运会主题曲为什么邀请英国人来唱
7. 谁抄袭谁：周杰伦《以父之名》与梁邦彦《英国恋物语》
8. 古典音乐有几种乐器
9. 钢琴的起源与发展

古典音乐有:巴赫 《小步舞曲》

海顿 《惊愕交响曲》第二乐章莫扎特《弦乐小夜曲》第一乐章、第四乐章贝多芬《第五交响曲（命运）》第一乐章舒曼 《梦幻曲》

舒伯特 《小夜曲》（选自《天鹅之歌》）

肖邦 《一分钟圆舞曲》（又称《小狗圆舞曲》）

李斯特 《爱之梦》

威尔第 《饮酒歌》（选自歌剧《茶花女》）

柴科夫斯基 《1812序曲》、《胡桃夹子组曲》（很好玩的哦！）

德沃夏克 《幽默曲》

古典音乐可以养成儿童高尚的情操和博爱的情怀古典音乐是美的艺术，是对自然、宇宙、生命美的赞叹，是人类心灵深处智慧和人格的流露，它蕴含着人性的柔美和天地的壮阔，喜欢古典音乐就是崇尚智慧的卓越和人格的高尚。

2、古典音乐可以促进儿童心灵的健康音乐是情感的艺术，古典音乐中所具有的优美的旋律、丰富的情感和缓急有序的节奏，能与儿童内心的情感产生共鸣，并随着音乐的节奏舞之、蹈之，因此而身心愉悦、舒展、健康。

1、古典音乐可以养成儿童高尚的情操和博爱的情怀

古典音乐是美的艺术，是对自然、宇宙、生命美的赞叹，是人类心灵深处智慧和人格的流露，它蕴含着人性的柔美和天地的壮阔，喜欢古典音乐就是崇尚智慧的卓越和人格的高尚。

2、古典音乐可以促进儿童心灵的健康

音乐是情感的艺术，古典音乐中所具有的优美的旋律、丰富的情感和缓急有序的节奏，能与儿童内心的情感产生共鸣，并随着音乐的节奏舞之、蹈之，因此而身心愉悦、舒展、健康。

3、古典音乐可以开启儿童的想象力和创造力

古典音乐不仅是声音的艺术，而且也是灵性的艺术，丰富的音乐语言是人类理性和情感的最抽象表达。可以弥补语言文字教育和科学教育的不足，启迪和拓展儿童时间和空间的观念，从而培养儿童非凡的想象力和创造力。

我认为听古典音乐有以下3点好处：

1.古典音乐有助于“集中精神”

《命运交响曲》以音乐中短—短—短—长动机开场，贝多芬也曾将这四音动机解释为“命运之神在敲门”，音乐一起，你就能马上进入状态。

试想一下，当你听一场音乐会时，是不是会很自觉的集中精神进入到音乐里面，你会去聆听它的节拍、旋律、调式，感觉它的起伏变化，达到一种“神游”状态。

甚至有时候你会感觉听到的不仅仅是音符，而是万物之声。

美国著名先锋派作曲家约翰·凯奇的代表作品：《4分33秒》。整首曲子没有任何乐器演奏过一个音符，什么是此时无声胜有声，当你集中精神尝试去听时，你听到的可能是雨滴落在屋顶的嗒嗒声、风吹树叶的沙沙声、隔壁小朋友的读书声……

古典音乐就有这样的魅力，可以让你全神贯注地听，抛弃一切杂念，静静地去听。养成习惯之后，不管做什么事，都会很容易达到“专注”状态。

另外跟大家普及一个知识，古典音乐不是我们常常理解的“纯音乐”，也不是古老的音乐，它是一种在表现比例和均衡方面不受时间限制的音乐。

2.古典音乐帮助人们放松

英国《卫报》发表过一篇《古典音乐——年轻人逃避现代生活喧嚣的方式》，文中提到约有45%的年轻人认为古典音乐可以让他们放松身心，是他们逃避生活、工作压力的一种方式。

流行音乐也可以使人放松，但古典音乐效果更加显著。

流行音乐好比游戏，当你累了决定打几局游戏休息一下时，在玩的过程中可能很投入，很愉悦，一下3、4个小时过去了，但当你一停下来，那种空虚和混沌感又一拥而上，或许还会让你觉得更累。

古典音乐可以使你的思想跳舞，让你真正的放松。

爱德华·肯尼迪·埃灵顿“公爵”说：“不能让人摇摆的音乐，就是毫无意义的音乐。”你在听古典音乐时，你的思想是在跳舞的，你是通过对它的感知在调节自己的情绪。

古典音乐有强化和加深情感的功能，它缓和我们受到刺激的神经，令我们悲哀或者欢乐，令我们为之起舞。

听古典音乐，不妨说是欣赏古典音乐，当你以这种心态去尝试做些什么，都可以起到放松作用，比如说欣赏一部电影、欣赏一处美景、欣赏一场古典音乐会。

3.古典音乐对人的大脑智力非常有益

著名物理学家爱因斯坦，相对论的提出者，他是所有崇尚智力者的偶像，他能有这么大的脑容量，也与古典音乐有关，他对古典音乐颇有研究，并精于小提琴、钢琴的演奏。

据报道，爱因斯坦死后，专家对他大脑进行切片分析，发现他脑子里的“突能”，竟然远远超过其他科学家，这其中音乐的刺激作用是一个重要因素。

简称如下：

1、POP：流行音乐。 全称是Popular Music。流行音乐19世纪末20世纪初起源于美国，从音乐体系看，流行音乐是在叮砰巷歌曲、布鲁斯、爵士乐、摇滚乐、索尔音乐等美国大众音乐架构基础上发展起来的音乐。其风格多样，形态丰富。

2、CLASS：古典音乐 古典音乐（classical music）本来是专指德奥在1750—1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派”的音乐（或翻译为“维也纳古典主义音乐”）。这是狭义的古典音乐。 古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡、明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于“古典”（classical）与“经典”（classic）的不同

3、ROCK：摇滚音乐 也称摇滚乐，简称摇滚，英文全称为Rock and Roll(以下简称摇滚乐或摇滚)。起源于20世纪40年代末期，兴起于20世纪50年代中期，来源于美国。随后在英国也开始出现并得到蓬勃发展。 摇滚乐主要受到节奏布鲁斯、乡村音乐和叮砰巷音乐的影响发展而来。早期摇滚乐很多都是黑人节奏布鲁斯的翻唱版，因而节奏布鲁斯是其主要根基。摇滚乐分支众多，形态复杂，主要风格有:民谣摇滚、艺术摇滚、迷幻摇滚、乡村摇滚、重金属、朋克等。 摇滚乐以其灵活大胆的表现形式和富有激情的音乐节奏表达情感，受到了全世界大多数人的喜爱，并在1960年和1970年形成一股热潮。

4、JAZZ：爵士音乐 全称JAZZ MUSIC，于19世纪末20世纪初源于美国，诞生于南部港口城市新奥尔良，音乐根基来自布鲁斯和拉格泰姆。爵士乐讲究即兴，以具有摇摆特点的Shuffle节奏为基础，是非洲黑人文化和欧洲白人文化的结合。 20世纪前十几年爵士乐主要集中在新奥尔良发展，1917年后转向芝加哥，30年代又转移至纽约，直至今天，爵士乐风靡全球。爵士乐的主要风格有：新奥尔良爵士、摇摆乐、比博普、冷爵士、自由爵士、拉丁爵士、融合爵士等。

5、blues：蓝调 美国流行音乐形式。又译为蓝色音调，即蓝调。原意为在感情上悲伤的意思。在黑人歌曲中，有一大部分都是描写生离死别之情，抒发忧伤凄惨的内容，用布鲁斯一词来概括十分贴切，久用成习，就成了这一类黑人歌曲的总称，进而成为美国黑人音乐中一种典型的曲调。

6、Ballad：民谣 民间流行的、赋予民族色彩的歌曲，称为民谣或民歌。民谣的历史悠远，故其作者多不知名。民谣的内容丰富，有宗教的、爱情的、战争的、工作的，也有饮酒、舞蹈作乐、祭典等等。 民谣表现一个民族的感情与习尚，因此各有其独特的音阶与情调风格。如法国民谣的蓬勃、意大利民谣的热情、英国民谣的淳朴、日本民谣的悲愤、西班牙民谣的狂放不羁、中国民谣的缠绵悱恻，都表现了强烈的民族气质与色彩。

本杰明·布里顿，英国作曲家、指挥家和钢琴家，20世纪英国古典音乐代表人物之一。他在创作中尊重本民族的传统，又大胆吸收私运用现代派的风格、技巧。

《战争安魂曲》、是布里顿的作品中最有名的一首，为告慰二战中逝去的生命。《青少年管弦乐指南》为介绍管弦乐队而给青少年写的，为普及交响乐功不可没。其它的代表作:《布里奇主题变奏曲》《彼得·格莱姆斯》《诺亚方舟》等。

布里顿的代表作有弦乐队《弗兰克·布里奇主题变奏曲》(1937)、《青少年管弦乐队指南——普赛尔主题变奏与赋格》(1946)、歌剧《彼得·格里姆斯》 (1945)、《战争安魂曲》(1961)等。

首先：

巴洛克（ Baroque ）源自葡萄牙语，意思是 “形状不规则的珍珠” ，通常用来形容建筑和绘画中那些华丽精致的装饰性和表现风格。看看下图凡尔赛宫内的巴洛克装饰，是不是感觉四处 bling bling 的~

其实早在 17 世纪初期， “巴洛克” 是一个贬义词，与文艺复兴时期的人文主义相比，巴洛克在建筑上的风格被视为离经叛道且华而不实，就如同我们现在常说的 乡绅土豪。

音乐史上通常将 1600 年歌剧诞生到 1750 年巴赫去世这 150 年称为巴洛克时期，在这 150 年里，涌现出了以巴赫、维瓦尔第、亨德尔等为代表的音乐大师，他们的音乐代表着典型的巴洛克时期音乐的体裁和风格特征。

巴洛克时期的音乐大咖&作品

蒙特威尔第、维瓦尔第、吕利、普赛尔、亨德尔、巴赫等等人为代表的音乐都基本上称之为巴洛克风格.

建议你先听巴赫的六部〈勃拉登堡协奏曲〉、四部〈管弦乐组曲〉等，〈d小调托卡塔及赋格〉（管风琴的，震撼啊~```）、〈c小调帕萨卡里亚〉等，其他键盘的有如雷贯耳的〈平均律〉、〈哥德堡变奏曲〉、〈英国组曲〉、〈法国组曲〉、<古组曲>等，小提琴的有〈无伴奏小提琴组曲与奏鸣曲〉、多部〈小提琴协奏曲〉、多部<小提琴奏鸣曲（有伴奏）>等，大提琴的有〈无伴奏大提琴组曲与奏鸣曲〉。然后就容易分辨了。 维瓦尔第的《四季》也不错。 乔治·弗里德里希·亨德尔 （George Frideric Handel, 1685－1759），著名的英籍德国作曲家。他的代表作有管弦乐曲《皇家水上音乐》，《皇家焰火音乐》，清唱剧《弥赛亚》等，《弥赛亚》中的《哈利路亚》流传最为广泛。1751年不幸双目失明，1759年病逝于伦敦。

加油啦！

2008年北京奥运会主题曲，我和你。只有中国著名歌唱家刘欢。英国歌唱家莎拉布莱纳。二人合力演唱的。一中文，一英文。这首歌曲也是奥运会歌曲至1988年，汉城奥运会主题曲，我和你。以后最成功的奥运会主题曲。

选中英国的世界级歌手演唱最有分量的主题歌可以扩大奥运会的影响力。

奥运会主题歌是推广一届奥运会的形象名片，是最能产生流行性的一个环节，奥运主题歌一定是唱给全世界听的，词曲演唱都要考虑世界不同文化观众接受的特点。音乐是世界通用的文化符号，人类交流的共同语言，奥运主题歌旋律一定要时尚流行，具有普及性的特点。

采取中外歌手联袂演唱的方式是很好的创意设计，既兼顾了本国文化的特点，也照顾了世界观众的心理，邀请国际天后巨星唱奥运歌本身就是一个非常大的看点。除了实力派席琳·迪翁之外，选中莎拉·布莱曼也在情理之中。从唱法搭配看刘欢和莎拉·布莱曼都是融合流行音乐、古典音乐和舞台剧三大领域的实力派巨星，体现了难度、技巧，也考虑了歌曲的普及和流行。

根本不存在谁抄袭谁,只不过凑巧两人都用了一段古典音乐的开头而已。

事实上，以父之名前奏的整个乐句，仅仅只是 Sonicfoundry 公司出品的音乐素材，作者既不是梁邦彦也不是洪敬尧。

购买了音乐素材后，可以在作品中任意，无限次使用而不构成法律上的侵权。

也就是说，这个音乐素材从诞生开始售卖时起，已经进入了公有领域；任何购买的行为都可以获得著作权。

甚至如果我愿意，也可以整段地引用而不触犯任何法律，也不需要特意声明，创作者的署名也可以是自己（按照购买条款，确实如此）。

引用素材在行内看来，是很正常的事情，对于一个熟练的创作者而言，写出和素材本身品质相同的东西并非难事。

音乐创作的核心在于选择。

选择这里该用什么手法，哪些音符，什么乐器，什么素材，才是最重要的。

弦乐器

：弦乐器是应用振动琴弦而发出声音，这些乐器由於操作方式的不同，又可分成「弓弦乐器」与「拨弦乐器」两种类型。

二）

木管乐器

：顾名思义，木管乐器就是由木料制成的管状吹奏乐器。它的主要成员包括了长笛、短笛、单簧管、双簧管、英国管、低音管及倍低音管。看到这份名单，也许有人会问：「一般看到的长笛不都是用金属做的吗？怎麼说长笛也是木管乐器呢？」是的，近代以来，长笛与短笛大多已改用金属来制造，但因为在早期它们是用木头做成的，所以人们仍将之归入木管乐器的范围。

三）

铜管乐器

：主要成员包括了小号、短号、法国号、伸缩号以及低音号等。它们之间的共同特色除了它们都是用金属制成之外，每一种铜管乐器管身的末端均被做成像「牵牛花」状的开口，而且它们都有一个漏斗形的吹嘴。铜管乐器的吹奏方式是由演奏者将嘴唇顶著吹嘴吹气，此时吹奏者是以他的嘴唇做为振源，漏斗形的吹嘴则有助於按唇以及改变若干的音色。

（四）

敲击乐器

：靠敲打乐器本体而发出声音的乐器，我们就称它为敲击乐器。敲击乐器的种类可以说是包罗万象、不胜枚举。但基本上它们可以分成两大类：

五）

钢琴已有200年以上的历史。最初，它只是一部可以改变力度的键盘乐器。钢琴虽诞生在义大利，却在德奥和英国得以发展成长。钢琴是在17世纪末1709年由制作家巴尔托洛奥．克里斯托夫里(BartolomeoCristofori)所发明的键盘乐器，并取名为(gravicembelocolpianoeforte)，他是义大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。

钢琴的起源

1709年之前，钢琴的发展历史就是弦乐器，不管是拨弦，还是像钢琴一样击弦，都存在一个问题，就是声音很弱，无法实现钢琴的高速连击、轻重力度的变化。1709年一个叫B．克里斯朵夫里的意大利人做了一个击弦机的断连机构，他主要解决的部分是击弦机里的问题（拆开钢琴），按下琴键（演示），它会定在这儿，不会反复敲击，可以控制它的力度和速度（演示），就是这个轻锤，比如说这个轮指（演示），一秒钟8次（三角琴至少要达到12次以上，这是有立式钢琴和卧式钢琴击弦机不同结构决定的）以上。轮指要求回弹速度很快很灵敏

（演示）其他擒纵机构就让它定在这儿，不会动，这样可以实现高速连击和轻重力度的变化，可以使演奏效果很好，控制演奏性能。到了1716年，因为有了擒纵机构，现代钢琴的雏形就产生了。

钢琴造型的演变

巴赫时代之前属于巴洛克时代，文艺复兴前的这个时期是堆积的美、层次的美，会做各种各样的添加，文艺复兴的时候，添加的东西都是毫无意义的，认为整洁就是最美，所以极简主义诞生，包括现在的外壳。

现代钢琴的发展

在1722年，巴赫时代出现了十二平均律 ，最早是明朝的一个王爷（朱载堉）提出这个概念，然后把它论证出来的，经由一位神父传到法国，法国的梅森把它用在了音乐理论上，然后巴赫真正利用十二平均律创作了十二平均律曲集，后来阐述创作的方法，用十二平均律创作曲子是一个理论的诞生，没有这个就没有后来钢琴的发展。

后来，有了古典音乐三杰，第一个是海顿，”交响乐之父”，第一个把配器和钢琴放在一起，叫做交响乐；第二个是莫扎特，音乐神童；第三个是贝多芬。海顿和莫扎特属于同一类型，曲风都是欢快明亮（演示土耳其进行曲），这类曲风在音乐平台里，如酷狗、QQ音乐可以搜索到。这类曲风只能表现欢快和明亮，无法表现其他的情绪。到了贝多芬的时候，钢琴出现了踏板，主要是延音踏板，延长的效果。踩下踏板之后，这个叫做止音器，止音器与琴弦分离，使琴弦持续振动，声音变大（演示），有一个延长的效果，才有了贝多芬的《致爱丽丝》和《命运》（演示），这种曲风在以前是不具备的，像《命运》那种都是后来的创作。贝多芬有两个称号，一是被称作交“响乐之王”，创作了很多交响曲，除此之外还被称作“乐圣”，是由其徒弟察尔尼所称。查尔尼没有成为钢琴演奏家，而是成为了钢琴教育家，目前使用的大部分教材都是查尔尼所创，他把贝多芬的音乐理论汇集成册，进行各种阐述并发扬光大，其后把贝多芬追捧成“乐圣”，像孔子弟子子贡，将孔子奉为“圣人”，两者称号都是徒弟的推动作用。查尔尼最出色的徒弟是李斯特，匈牙利人，因将在演奏会上把琴弦弹断视为成功，而被称为“钢琴魔王”，是古典浪漫主义开派之师。当时之所以可把琴弦弹断，是因为琴弦为尼龙弦，并非钢弦，钢琴的框架也不是铁板，而是木头。现在的钢弦是同一个琴锤敲打三根琴弦，琴弦不会断了。随着钢琴的发展，从创作上、演奏上、技巧上得到一些演变。